Réalisé un film seul n’est pas une mince affaire, faire un film à deux est un exercice délicat, faire un film à trois, est plutôt rare, mais devient de plus en plus bancal, mais faire un film à dix, relève de la folie, même si chaque segment n’est pas lié l’un à l’autre. C’est un peu l’idée générale que je porte à ce Ten Nights of Dreams, une adaptation cinématographique de nouvelles de Natsume Soseki, écrivain de renom, par dix réalisateurs plus ou moins connus du Japon. D’une durée de 10 minutes par réalisateur, chacun tente de rendre hommage à l’écrivain en amenant sa touche personnelle à l’histoire. On a donc Jossiji Akio, le respecté Ichikawa Kon, Amano Yoshitaka, le chara designer d’un certain nombre d’épisodes de Final Fantasy, Shimizu Takashi, réalisateur de l’horreur et Yamaguchi Yudai, le gore comique japonais. Alors certes, l’idée n’est pas mauvaise, son nombre important de réalisateurs partageant l’affiche du film devrait permettre un certain rythme et changement de ton durant l’ensemble du métrage, surtout que certains réalisateurs sont plutôt bons dans leur domaine, mais finalement, on se rend compte assez vite, que le film est vide de sens et perd très rapidement de son intérêt une fois passé les 20 premières minutes. Surtout que, honte à moi, je ne suis que très peu au courant des écrits de Mr Natsume Soseki, de ce fait, l’intérêt du film en devient moindre. Certains segments sont corrects, mais la plupart sont vraiment inintéressants au possible. Pour ma part, même s’il s’agit d’un segment le moins apprécié, celui de Toyoshima Keisuke intitulé Fear, construit sur une narration plus qu’étrange, en plus de nous proposer des personnages qui pourraient presque faire partie du Muppet Show.

Le segment de Jissoji Akio intitulé Love est franchement étrange, jouant sur l’instabilité du temps qui passe, je dois dire que celui-ci est passé à côté de mon intérêt, même si je le conçois fait preuve de recherche. Vient ensuite Anguish de Kon Ichikawa, dans lequel un samurai cherche l’illumination sous peine de se faire hara-kiri. De même, je suis passé à côté, certes ce n’est pas mauvais, mais bien trop particulier pour moi, tout du moins pour l’apprécier. Vient ensuite Son de Takashi Shimizu, décevant, car trop pompé sur ce qu’il fait tout le temps dans ses films. Classique et sans saveur. C’est ensuite au tour de Shimizu Atsushi avec son Nostalgia sur l’enfance que je trouve moyen. Puis Fear de Toyoshima Keisuke que j’ai beaucoup aimé, comme indiqué un peu plus haut. C’est après au tour de Matsuo Suzki et son Passion, le segment le plus novateur avec la présence d’un danseur-travailleur du bois, qui exécute une dance robotique et guerrière, qui reste assez particulière. Si l’on poursuit, on tombe sur Loneliness de Amano Yoshitaka et Kawahara Masaaki, seul segment réalisé en animation, qui certes est très joli, mais qui ne propose finalement que peu de chose dans le fond.

Continuant sur la route du film, on y retrouve le segment Imagination de Yamashita Nobuhiro nous dévoilant des gosses qui pêchent dans une rizière avec la découverte d’un ver de terre géant que la famille adopte. Très étrange, je dois dire. Puis c’est au tour de Family Love de Nishikawa Miwa, un segment plus que moyen dans lequel une femme prie régulièrement pour son mari. Et pour terminer, Egoism de Yamaguchi Yudai, une histoire d’un homme retrouvé à moitié mort qui est en réalité un serial killer de femmes moches, mais un jour, il tombe dans un piège et devient un cochon. Au final, Ten Nights of Dreams nous endort régulièrement et nous réveille parfois avec quelques segments, difficile alors de s’endormir pour rêver pendant 10 nuits, c’est à peine sur une ou deux soirées, que l’on pourra vraiment se laisser aller au rêve.

Second film de Yokai des studios de la Daei, Yokai Monsters : 100 Monsters est une fois de plus, un film ne faisant pas honneur au premier opus, cependant, on y retrouve le yokai de l’ombrelle japonaise que je trouve très amusant, mais on est tout de même très loin de Spooky Warfare. Pourtant, l’époque est propice au film de monstres en tout genre, notamment Daimajin réussit à faire son petit effet à la même époque, mais malheureusement ce 100 Monsters n’est vraiment pas à la hauteur et semble réellement être un produit commercial, tentant de surfer sur la vague du premier opus. C’est dommage, car j’aime beaucoup les films de Yokai, ce mélange d’humour et d’horreur d’un ancien temps est pourtant très sympathique à voir, mais ici, le côté commercial bâclé est bien trop présent, sous couverte d’une histoire sans aucun intérêt. La Daiei nous ressert par l’intermédiaire de Yasuda Kimiyoshi, une aventure de Yokai dans laquelle un seigneur méchant tout plein, cherche à s’implémenter dans le village du coin. Pourtant, le réalisateur arrive à tenir 90 minutes avec uniquement ce postulat de départ, surtout que les Yokais ne sont visibles qu’au bout d’une heure alors qu’ils sont tout de même dès le début au sujet du jour.

C’est carrément cheap, le budget est ici bien bas, pourtant les peintures et autres gravures du bestiaire des yokais donnent un certain charme au film, mais malheureusement, les scènes de Yokais se comptent sur les doigts de la main, entre celles où l’on croise la femme au long coup plutôt sympathique, l’amusante scène avec le monstre parapluie à longue langue qui danse avec un attardé, très plaisante et celle d’une tête géante qui s’acharne sur deux lieutenants, on ne va pas bien loin. Pourtant à la fin du film, c’est un véritable bestiaire au complet qui débarque sous nos yeux, mais pour un court instant dans une joyeuse farandole, sorte de festival de musique, défilé en tout genre, mais malheureusement, 90 minutes pour voir au final trois pauvres yokais est un peu exagéré, car même si la scène finale est sympathique, elle n’est que très courte et n’offre pas vraiment grand chose. En réalité, on se demande même pourquoi il s’agit d’un film de Yokai, il est clairement évident, que le studio de la Daiei a choisi d’ajouter des Yokais n’ayant pratiquement aucun intérêt au niveau du scénario pour attirer le spectateur de l’époque, on est même en droit de crier au scandale.

Yokai Monsters : 100 Monsters est donc décevant, l’apparition anecdotique des yokais est une vaste plaisanterie, la réalisation n’est pas en forme, l’intrigue est bien trop minimaliste, l’interprétation loin d’être convaincante, en somme, un « film-arnaque » comme on pourrait l’appeler, il n’y a que le titre qui comporte des Yokais, purement une œuvre commerciale sans intérêt.

Maiko Haaaan!!! semble continuer la voie tracée par Kankuro Kudo à travers le paysage des médias Japonais avec un film dans lequel, il nous montre à nouveau ses talents de scénaristes. Le film tourne autour de l’histoire d’un Japonais, représentatif des Otakus d’aujourd’hui, obsédé par une geisha apprentie qui semble être son unique but dans la vie. De plus, celui-ci rêve de pouvoir jouer au strip-baseball avec une pièce remplie de geishas, autant dire que le bonhomme est sérieusement atteint. Pour se faire, Kankuro Kudo développe un personnage complètement incroyable, interprété par Abe Sadao, dans un univers très japonais, tellement japonais qu’il faut connaître plusieurs éléments de leur culture pour rire de certaines scènes.

Maiko Haaaan!!! fait preuve d’une beauté toute particulière apportée à l’image, aux décors et aux effets de couleurs et de lumières. Les maisons de geishas sont tout simplement magnifiques, accompagnées d’une décoration minimaliste, à la manière d’une maison de poupée. Ces poupées sont d’ailleurs personnifiées par ces geishas, d’une rare délicatesse, toutes marquées de leur blanc visage et de leur maquillage traditionnel. C’est d’ailleurs tout ce qui attire le personnage qu’interprète Abe Sadao, qui cherche plus que tout au monde à devenir un habitué des maisons de geishas, maisons qui sont uniquement ouvertes aux habitués, le concept en somme des boites de nuit réservées aux habitués alors qu’on ne peut jamais y rentrer.

En plus de faire la part belle aux geishas du Japon et à leur représentation, Maiko Haaaan!!! n’omet pas d’apporter une compréhension de la culture Japonaise à travers diverses scènes du quotidien et notamment du train de vie des geishas dans la culture moderne. C’est finalement un mélange de modernité faisant appel aux traditions des danses et chants du monde des geishas tout en appuyant les situations sur certains faits historiques. Il est clair que Maiko Haaaan!!! nous propose un film bien différent des productions habituelles par son coté théâtrale, tout en étant bruyant et parfois lourd, sur-stylisé et très colorisé, accompagné d’une bande-son relevant le tout. Finalement, Maiko Haaaan!!! est un film de pur divertissement et ceci du à un très bon scénario de Kankuro Kudo avec une très bonne performance de Abe Sadao, quelques erreurs certes, mais l’ensemble est vraiment très frais.

Expérience lunatique d’un acteur qui tente de s’essayer à la réalisation ? Comment décrire et critiquer une telle création, cet ovni cinématographique d’un acteur qui souhaite mettre en forme certains de ses rêves ? Pourtant, Asano Tadanobu n’est pas le genre d’homme à avoir le temps de se mettre à la tâche de la réalisation d’un moyen-métrage avec les 3-4 films pour lesquels il participe chaque année. To Ri est donc un mystère pour moi, en effet, vu en version originale sans sous-titre, il me fut difficile de tout comprendre. To Ri est composé de cinq sketchs d’une durée différente avec aucune corrélation les uns aux autres.

La première partie nous entraine dans l’animation puis nous amène dans les bois nous montrant un jeune homme muni d’une épée. À partir de ce moment-là, je comprenais déjà que To Ri serai difficile à appréhender. On comprend assez clairement que le film nous sera présenté tel un rêve, à la narration non linéaire, par brèves de souvenirs, normal pour une tentative de représentation de rêves du réalisateur. Fatalement, comment peut-on faire une critique d’un métrage faisant directement référence aux rêves d’autrui ? Déjà qu’il est difficile parfois de comprendre ses propres rêves et de s’en rappeler, comment pourrait-on se permettre de tenter de comprendre ceux des autres sans avoir le bagage adéquat ? Ce que je sais, c’est que du côté du visuel, c’est assez inspiré, pourrait-on même y voir quelques idées tirées des réalisations d’un certain Shunji Iwai. En effet, cette atmosphère de rêve éveillé accompagnée d’une musique venant enrichir l’expérience ressemble clairement aux techniques de ce dernier.

Aucun dialogue, à part dans l’un des sketchs qui fatalement sans aide des sous-titres ne m’a pas permis d’en saisir son essence. En même temps, rares sont les rêves affichant des éléments sonores. Évidemment, To Ri ne sera qu’une œuvre pour les amateurs de l’acteur, pour ceux qui souhaiteraient tenter d’en apprendre davantage à son sujet. Cependant, cette œuvre est clairement à voir à partir du moment où vous avez au moins vu une vingtaine des films dans lequel il a interprété un personnage pour cerner un peu le monsieur.

No More Comics! n’est pas un film de propagande contre l’énorme quantité de comics américain qui semble envahir le monde, mais bel et bien un film contre les dérives des médias. Si le nom de Yôjiro Takita ne me disait rien au premier abord, c’est en faisant une petite recherche que je me suis aperçu qu’il s’agissait du réalisateur ayant fait le récent Departures en 2009, film ayant remporté un certain succès. C’est donc en nous plongeant dans le quotidien d’un journaliste que le réalisateur y décrit les dérives de ce métier. En effet, ce journaliste, exemple d’une majorité d’entre eux, est forcé de traquer et de chercher les scoops à scandales pour faire monter l’audience télévisuelle. Mais dans No More Comics, c’est précisément sur ce journaliste là, décrit comme étant le plus opportuniste du métier, que la caméra se fixe tout au long du métrage. Interprété par le réalisateur lui-même, on le suit dans ses interviews sauvages, dans lesquels il prend à parti les stars pour leur soutirer des réponses sur les rumeurs qui circulent à leur sujet. Et ce n’est pas un simple refus qu’il va le décourager dans sa mission.

Mais à force d’aller trop loin, il se retrouve à devoir couvrir les émissions de nuit et leur sujet érotique, jusqu’à ce qu’il trouve une affaire d’escroquerie qui implique la vente de lingot d’or pas si rentable que cela. À travers ce film, Yôjiro Takita cherche à établir une violente critique des médias japonais. Par l’image de ce journaliste impassible dans un corps tout à fait singulier, il montre d’un regard puissant sa détermination, mais également sa réflexion par rapport à sa condition de journaliste à scandale. C’est clairement le rôle central du film, ce personnage va être capable de nous faire rire, nous pondre des situations pleines d’ironie et à la fois d’être sarcastique. Dès les premières images du film, le ton est donné. Une voix off vient nous prend à partie en nous indiquant que pour des raisons de sécurité, il est interdit de faire l’amour dans la salle de cinéma. Ainsi, le film commence réellement.

Dans son ensemble, No More Comics ! est un peu long, mais reste loin d’être soporifique, il emprunte juste quelques fois des longueurs narratives pas forcément nécessaires, mais en le regardant dans sa totalité, le film est plutôt bon. Le final du film est d’ailleurs choquant, dans lequel on retrouve un Takeshi Kitano en pleine action. D’ailleurs, le film fait appel à un certain nombre de stars, avec entre autres Kaori Momoi, le groupe Onyanko Club, Kazuyoshi Miura et Hiromi Gô. Portrait d’un métier et plus précisément d’un homme qui l’exerce, No More Comics ! ne fait pas dans la demi-mesure, lors qu’il présente les dysfonctionnements de la société japonaise. Le film est d’ailleurs inspiré d’un fait divers qui en 1985 a engendré la mise à mort du responsable devant les caméras de télévision.

Il y a deux manières de voir Yatterman selon moi. La première, c’est celle d’un connaisseur et fan de la série animée de la fin des années 70, la seconde celle d’un spectateur ne sachant pas du tout ce qu’est la série Yatterman. Pour ma part, je me situe dans la seconde partie de ces spectateurs, je donnerai ainsi mon avis sans avoir aucune idée des différences et similitudes avec la série originale. La première chose qui m’a surpris et dont j’ai eu des difficultés à me défaire, c’est son côté parodique, presque « nanaresque« , avec des personnages hauts en couleur à la manière des sentaïs et de son univers enfantin. Puis quelques dizaines de minutes plus tard, j’ai finalement réussi à me défaire de ce préjugé pour me concentrer sur le divertissement. Car Yatterman est un vrai film de divertissement en plus d’être une adaptation. Et à ce que j’ai pu lire un peu partout, cette adaptation de Yatterman est assez loin de l’œuvre originale. À vrai dire, c’est souvent le cas, lorsque l’on donne les clés d’une adaptation à de gros réalisateurs. Ici, Takashi Miike semble avoir pris d’énormes détours et de grandes libertés dans sa vision de la série. Mais comme je l’ai dit quelques lignes au dessus, je fais parti de ceux qui n’ont aucune connaissance de l’univers de Yatterman et de ce fait, je ne peux en prendre compte.

Par contre, il est clair que ce projet à du grandement faire peur à la Nikkatsu, d’ailleurs Takashi Miike l’exprime clairement dans une petite interview bonus du DVD de WE Prod à ce sujet. En remixant une œuvre comme celle-ci avec son univers et sa manière de présenter les choses, le studio a dû halluciner en voyant le résultat. Si l’on prend le scénario du film, on tombe bien bas. Il s’agit des Doronbo, un petit groupe de paria qui réponde aux volontés du dieu des voleurs qui cherche à s’approprier les 4 morceaux d’un crâne magique permettant de contrôler l’espace-temps. De l’autre coté, nous avons les Yatterman, avec Yatterman numéro 1 et Yatterman numéro 2, accompagné de leur méga chien robot, Yatterman. Si avec ça, on ne s’embrouille pas au niveau des noms de chacun des personnages, je ne m’y connais pas. Le scénario est donc plus que bateau, mais amplement suffisant pour remplir sa mission. Mais quand on sait que Takashi Miike se trouve derrière la caméra, on peut être sûr que la plupart des scènes du film feront appel à de la violence et au sexe. Pourtant aux vues des premières images et à la renommée de la série, on se dit qu’il ne va pas oser arranger l’œuvre originale à sa sauce. Et pourtant, nombreux seront surpris de ses modifications.

On retrouve les Dorombo en tenue très sexe, d’un coté, les deux acolytes en slip et de l’autre, la maitresse du groupe, en tenue quasi-SM et dominatrice (qui je dois le dire fait son effet, mine de rien). Rapidement, il sera question de pelotage de poitrine, de baiser volé, voir même de monstruosité mécanique durant le premier combat, entre une femme-robot à la poitrine très généreuse capable de mitrailler son adversaire qui finalement se fera anéantir par son adversaire, dans une extase sexuelle qui ne manquera pas de déranger le spectateur. Aucun doute, Takashi Miike a retourné la série originale de fond en comble. Je pense même qu’à voir son oeuvre, on est quasiment sûr qu’il se moque de la série d’origine, qu’il fait quasiment de l’auto-dérision. Et c’est à vrai dire çà que j’ai aimé. Car adapter une série de la fin des années 70 aujourd’hui en respectant le matériau d’origine est finalement très barbant pour un réalisateur et pour Yatterman, on ne pourra pas dire que le réalisateur n’a pas eu les « couilles » de le faire, car cette fois-ci, il a laissé ses idées divaguer très loin de la base de la série, pour ma part, je valide rien que pour çà (et surtout pour Kyoko Fukada et sa tenue de dominatrice masquée).

Un film de Gosha Hideo est souvent un bon moment de cinéma. Ce réalisateur à qui l’on doit Goyokin ou encore Hitokiri, à nombreuses fois prouvé ses capacités à mettre en scène une histoire. Aujourd’hui, je le retrouve dans Wives of the yakuza, une œuvre qui nous présente l’univers des yakuza à travers des personnages féminins. Malheureusement, si Hideo Gosha rime souvent avec œuvre de qualité, ici, on est bien loin de ses grandes œuvres du cinéma. Pourtant, Wives of the yakuza a réussi en quelque sorte, à tirer son épingle du jeu dans une période où le film du genre n’avait plus vraiment la côte. Il est vrai qu’en regardant d’un peu plus près, certains thèmes classiques du domaine sont présents. On a le droit à de l’érotisme, de la violence et les manigances en tout genre pour renverser le chef du clan actuel. Une formule plutôt simple qui vient s’ajouter à une forte présence féminine. En effet, ici les hommes sont mis en retrait et font la part belle aux femmes qui dirigent.

Si l’on regarde le film sur son aspect scénaristique, celui-ci n’est pas réellement travaillé. En réalité, c’est plutôt des périodes de leur quotidien que l’on nous montre, plutôt qu’une vraie période de vie construite. On suit les conférences de presse au gré des événements qui surviennent dans le clan de ces yakuza, médiatisé à un point qu’on reconnait forcément l’importance de cette présence au Japon. L’intérêt du film tient finalement que dans la présence de ces femmes qui tentent de tenir la barre pendant que leurs maris purgent leur peine de prison. D’ailleurs, elles sont tellement nombreuses qu’elle y consacre un club entier, qui part tous les 3 mois, évacuer leur stress durant une soirée bien arrosée. Mais ce qui vient réellement gâcher le film, c’est en somme, l’exagération qu’il y a de fait, sur les relations de ces femmes. En effet, Makoto tombe amoureuse d’un yakuza sans grand avenir, alors que sa sœur Tamaki cherche à la marier au fils d’un riche homme d’affaires pour qu’elle puisse vivre dans le luxe et l’insouciance et non dans le cruel monde des yakuza.

Du côté de la réalisation elle-même, le film n’est pas franchement un exemple des compétences du réalisateur. C’est à vrai dire très classique et n’offre aucune recherche visuelle. L’acting n’est pas non plus un exemple, Katase Rino, qui interprète le rôle de Makoto, semble être tout droit sortie d’un mauvais drama et certaines scènes sont à la limite de la comédie, notamment le passage du combat épique entre les deux sœurs, à coup de pleurs et de déambulations incertaines. Finalement, on peut se demander si Hideo Gosha n’était pas déjà arrivé en fin de carrière. Les films qui ont suivi n’étaient pas forcément des chefs d’œuvres et celui-ci ne fait que pale figure par rapport à la grande époque du monsieur.

Sous une douce musique récurrente et entrainante, Nagisa Oshima nous entraine à travers les chansons paillardes du Japon, un film de 1967, période durant laquelle nombreux réalisateurs suivaient une vague créatrice au Japon, mais à la fois, de rébellion et de libération. Ce film du réalisateur n’est pas l’un de ces films légers, mais bel et bien une vindicte envers son pays, sans pour autant le laisser transparaitre. Pour se faire, il réalise de sublimes plans pour un sujet populaire, les chansons paillardes, symbole d’une génération inconsciente et insoucieuse. On y suit quatre étudiants suite à leur examen de fin d’année qui semble se préoccuper non pas de leur avenir professionnel, mais sexuel. Un jour, ils croisent une jeune et belle étudiante, mais ils n’ont ni prénom ni nom, simplement un numéro de candidat, le 469. À travers leur enquête pour retrouver celle-ci, ils croiseront le professeur Otake ainsi que trois étudiantes, qu’ils tenteront de draguer en vain.

Mais cette rencontre avec ce professeur marquera ces quatre jeunes hommes, ce personnage qui incite à la révolte et chante à tue-tête des chansons paillardes à tout va devient un symbole pour le groupe, mais à la fois, un élément dérangeant pour leurs plans. Pourtant, cet homme au travers de ces chansons paillardes, leur transmet un élément important à leur vie et plus précisément, une chanson bien précise qui sera utilisée afin de construire plusieurs variations d’un même air de musique, tous faisant écho à la vie des opprimés et des miséreux. L’érotisme, la vie, le travail et l’amour, des sujets au plus près du peuple. D’ailleurs, cette chanson sera au fur et à mesure, le symbole d’un idéal, plusieurs fois mis en opposition à différents chants qui feront l’objet de confrontations.

Il est vrai que ce film d’Oshima Nagisa s’apprécie davantage lorsqu’on a connaissance de certains éléments liés à l’histoire du Japon, car sous son incessante chanson qu’on chantonne même une fois le film terminé, c’est un sacré portrait d’un pays et ses divers sentiments. Les États-Unis et son influence sur la société japonaise, la Corée du Sud et sa relation au Japon, mais également de la relation face aux femmes, qui sont ici, bien plus intelligente que les hommes. Entre la jeune coréenne qui chante sa triste histoire, l’étudiante 469 et la maitresse d’Otake, elles ne sont que les objets du désir des hommes et de ce fait, elle marque une profonde souffrance dans une exquise beauté. Une œuvre que je vous conseille de voir.

Le retour de l’ange noir, Mayo, ses belles gambettes et son regard pétrifiant, c’était avec un certain plaisir que je me suis décidé à voir le second volume de Black Angel, réalisé par Takashi Ishii, surtout que le premier n’était pas si mal que cela, même s’il faut l’avouer, n’était pas un grand film. Pourtant ses quelques scènes de gun-fights, son ambiance sombre et pessimiste avait tout pour plaire, mais malheureusement, le second opus n’est qu’une vaste plaisanterie, on se demande pourquoi le film a osé être diffusé, car selon moi, il gâche complètement le premier film, il n’a aucun intérêt, et tente difficilement de faire écho au premier épisode. En reprenant un événement anodin pour en faire un second numéro, qui ne sert strictement à rien, il détruit l’effort réalisé avec le premier opus.

Pourtant, Ishii Takashi n’est pas mauvais réalisateur, mais là, on se demande ce qu’il c’est passé, car même son précédent film n’était pas à la hauteur de son talent et cette suite indépendante du premier volet, ne reprenant que le personnage principal n’est pas ce qu’on appelle un bon film. Il n’arrive absolument pas à convaincre, surtout avec un scénario aussi mal foutu que celui-ci, où il devient difficile de ne pas s’endormir, en effet, à force de nous ressasser cet événement du passé où Mayo a failli être violée, mais finalement secouru par un mystérieux jeune homme, on finit vraiment par vouloir appuyer sur le bouton Stop et finir la soirée sur un autre film. Mais j’ai tout de même tenu bon jusqu’au bout sans m’endormir, une belle réussite de ce coté là. Coté interprétation, c’est moyen, les personnages sont un minimum intéressant, mais sans vraiment être accrocheur et la thématique féministe du réalisateur est toujours présente sans être vraiment mise à bon escient. Pour ce qui est de la réalisation, on est dans le domaine du médiocre avec de grands angles trop nombreux et l’usage du ralenti et des arrêts sur image au hasard. Au final, le rythme du film est complètement aléatoire, la scène du début est correcte, puis on assiste à une grosse tranche très lente et ennuyeuse, puis un final passable, mais pas franchement intéressant.

Au final, il n’y a pas grand chose à dire sur Black Angel Vol 2, si ce n’est d’éviter de le voir, autant le premier épisode n’est pas si mal et se regarde facilement, autant le second opus est inutile et même mauvais. Pour ma part, je n’ai pas eu le choix, le second volume était vendu dans un coffret avec le premier numéro et Pistol Opera de Seijun Suzuki, il fallait bien faire un sacrifice.

Kiyoshi Kurosawa à la réalisation d’une chronique familiale, on me l’aurait dit, je ne l’aurais pas cru et pourtant, l’habitué des films d’horreur est venu tenter sa chance dans un autre genre et le résultat en est satisfaisant. Ici, point d’extravagance, mais une simple famille moyenne japonaise dans son quotidien, en plein centre de Tokyo. Pour ce premier essai, Kiyoshi Kurosawa réussit selon moi son pari, avec certes, du bon et du moins bon, mais dans son ensemble, le film tient ses promesses. Aux premiers abords, Tokyo Sonata se regarde comme une simple chronique, un père de famille venant d’être licencié, son plus jeune fils, qui souhaite faire du piano malgré l’interdiction de son père, une femme, mère au foyer, qui se retrouve à être prisonnière et prend conscience de son manque de liberté et un fils plus âgé qui souhaite partir aider l’armée américaine pour servir son pays.

Mais en le regardant sous un autre angle, le film peut également se voir comme une critique sociale. Le Japon qui continue de chercher à se rattacher à de vieux codes sociaux, la suprématie de l’autorité paternelle, la vision étroite de l’armée et de la guerre en dehors du Japon, que l’on a déjà croisé dans Bashing, la crise du chômage, l’humiliation ultime que l’on tente de cacher à sa famille pour ne pas avoir honte et tout un tas de valeurs remises en cause. C’est finalement une lutte des fondements de la société traditionnelle du Japon à la jeunesse plus radicale et occidentalisée dans sa manière de penser. Rapidement, on est plongé dès les premières minutes sur l’amorce de l’éclatement de cette famille. La fenêtre que referme cette femme au foyer est en réalité, la porte que son mari ouvrira 20 minutes plus tard, pour tenter de rentrer en douce après avoir été licencié. Mais au lieu de parler de sa situation sous prétexte de perdre sa fierté et son autorité, il continue chaque jour de faire croire à sa femme qu’il part travailler et remplir sa fonction de patriarche.

Faux diner d’affaire chez son collègue ayant lui aussi perdu son travail, dispositif ingénieux pour faire régulièrement sonner son portable et faire croire à son entourage qu’il est occupé, mallette de salaryman, costume-cravate, heure de sortie et d’entrée dans la demeure familiale en correspondance aux heures de bureaux, tout est mis en œuvre pour masquer un changement. Car finalement, c’est bien çà le problème, c’est le changement d’une situation qu’il maitrisait et fait basculer sa paisible vie qu’il n’arrive pas à assumer. Énervements, cris, violence, refus du changement, autorité sur-dimensionnée, tout est prétexte à continuer de diriger sa maison. Vient alors la dernière partie du film, étrange et déroutante, car il faut bien le dire, celui-ci prend soudainement une tournure surréaliste.

Lorsqu’un criminel, interprété par son acteur fétiche, Koji Yakusho, complètement à l’ouest qui tente de violer la femme au foyer, de lui voler ses biens, se terminant dans un fiasco impensable, Kiyoshi Kurosawa réoriente une finalité pleine de fatalité sur un tout autre concept. La renaissance d’un foyer ayant vécu une quasi-catharsis de la vie. Et quand je parle de renaissance, celle-ci est bien spirituelle et même physique, notamment lorsque Ryuhei se fait littéralement percuter par un camion sur le chemin du retour. Alors qu’on assiste à une situation tragique, tout rentre dans l’ordre le lendemain, à l’image d’une période n’ayant jamais existé. Megumi rentre chez elle après avoir été enlevée et commence à préparer le repas dans une maison dévastée, Ryuhei, se réveille d’une mort certaine et rentre chez lui pour se poser sur une chaise et partager à nouveau un repas familial en paix. Puis, on se rend compte que le père est désormais prêt à venir écouter son fils jouer du piano, reniant tous ses principes, dans une scène finale magistrale. Aucun doute, Kiyoshi Kurosawa n’est pas seulement fait pour le cinéma d’horreur, mais bel et bien pour le drame également.